Leaning into the wind – Andy Goldsworthy

Un film de Thomas Riedelsheimer (93′, 2017)

Andy Goldsworthy ne sculpte ni le bois ni la pierre mais le feuillage, la terre, les branches et le vent… Autant d’œuvres que le temps altère et finit par effa­cer. Seize ans après la sor­tie fra­cas­sante de son film phare Rivers and Tides, le réa­li­sa­teur Thomas Riedelsheimer retrouve l’ar­tiste et rend à nou­veau cette œuvre éter­nelle, en cap­tant un peu de sa fragilité.

 

 

Conz, l’ultimo collezionista

Un film de Roberto Delvoi (59′, 2021)

L’histoire de l’une des figures les plus contro­ver­sées de l’his­toire de la col­lec­tion d’art, dont le nom conti­nue de sus­ci­ter débats et controverses.

 

 

Broken View

Un film d’Hannes Verhoustraete (72′, 2023)

Un essai ciné­ma­to­gra­phique et poé­tique sur le regard (𝘨𝘢𝘻𝘦) colo­nial des images de pro­pa­gande sur plaques de verre pro­je­tées par la lan­terne magique, l’un des tout pre­miers pro­jec­teurs d’images.

 

White Cube

Un film de Renzo Martens (76′, 2021)

Du sys­tème violent des plan­ta­tions à l’es­thé­tique du white cube, ce film montre com­ment les musées peuvent se déco­lo­ni­ser et deve­nir inclu­sifs, à condi­tion que ses béné­fices reviennent aux tra­vailleurs des plan­ta­tions dont le tra­vail a finan­cé – et par­fois finance encore – les fon­da­tions de ces institutions.

 

Sobre la marxa

Un film de Jordi Morató (77′, 2014)

Dans une forêt cata­lane, un homme sur­nom­mé Garrell va construire pen­dant 45 ans des laby­rinthes végé­taux, des cabanes d’une hau­teur ver­ti­gi­neuse : une sorte d’Eden dans lequel, vêtu d’une peau de bête, il tourne avec un ami des épi­sodes de Tarzan. Artiste brut phé­no­mé­nal, Garrell nous offre toute sa part d’enfance et son éner­gie sans limite. Une ode à la vie et à la passion.

L’énergie positive des dieux

Un film de Laetitia Møller (70′, 2022)

Leur musique est une défer­lante de rock élec­trique. Leurs textes assènent une poé­sie sau­vage. Accompagnés de quatre musi­ciens, Stanislas, Yohann, Aurélien et Kevin sont les chan­teurs du groupe Astéréotypie. Issus d’un ins­ti­tut médi­co-édu­ca­tif accueillant de jeunes autistes, ils dévoilent sur scène leurs uni­vers déto­nants, encou­ra­gés par Christophe, un édu­ca­teur plus pas­sion­né d’art brut que de tech­niques édu­ca­tives. Leur aven­ture col­lec­tive est un cri de liberté.

Terres Barcelo

Un film de Christian Tran (2018, 75′)

En 2016, deux ins­ti­tu­tions pari­siennes, le musée Picasso et la Bibliothèque natio­nale de France (BNF), ont offert à l’artiste espa­gnol contem­po­rain Miquel Barceló un ter­rain de jeu à sa mesure ou plus exac­te­ment à sa démesure.

Le Musée Picasso lui a pro­po­sé son sous-sol dans lequel l’ar­tiste a déci­dé d’é­ri­ger un mur inti­tu­lé « le grand mur de têtes », une grande construc­tion tenue par un tor­chis archaïque qui se veut comme une suite d’au­to­por­traits. Une œuvre pleine de trous, qui laisse pas­ser l’air et la lumière et aspire à une cer­taine forme de légè­re­té. À la BNF, l’artiste a inves­ti les parois vitrées de plus de 1000 m² et exé­cute une fresque éphé­mère tra­cée avec les doigts et des outils pri­mi­tifs dans de l’argile mouillée. Émerge alors tout un monde de terre et de lumière peu­plé du motif ani­mal, sai­si par une puis­sante force organique.

Le réa­li­sa­teur Christian Tran a pas­sé de longs moments auprès de l’artiste au tra­vail, cap­tant en même temps que ses gestes fas­ci­nants, des pro­pos à la fois lumi­neux et éru­dits sur l’art en géné­ral… ce qui ne l’empêche nul­le­ment d’écouter des matchs de foot lorsqu’il tra­vaille. Outre le pro­ces­sus créa­tif de ces deux œuvres monu­men­tales, le film nous offre éga­le­ment l’opportunité de visi­ter, tou­jours aux côtés de l’artiste, la cathé­drale de Palma de Majorque dans laquelle Miquel Barceló a éri­gé, entre 2001 et 2006, 300 m² de céra­miques en relief, repré­sen­tant la para­bole de la mul­ti­pli­ca­tion des pains et des pois­sons et qui a créée la polé­mique. Mais c’est sur­tout la des­cente dans la grotte Chauvet et les com­men­taires de l’artiste sur les des­sins parié­taux qui consti­tue le point d’orgue du docu­men­taire et que nous éclaire de façon spec­ta­cu­laire sur son tra­vail. Gratter, grif­fer, creu­ser, tri­tu­rer, tra­cer, tout le tra­vail de Barceló tient à la fois de l’art brut, du rituel, de la transe païenne ou sacrée. Et en reve­nant sans cesse sur deux de ses per­for­mances (Paso Doble à Avignon et L’image fan­tôme à Salamanque) Christian Tran ins­taure aus­si à sa manière une sorte de rituel, un bal­let autour d’un artiste hors norme. 

Serendipity

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Un film de Prune Nourry (2019, 74′)

Depuis plu­sieurs années, Prune Nourry explore le corps dans des œuvres d’art mar­quantes et pro­vo­ca­trice non dénuées d’humour. Fécondité, êtres hybrides, sélec­tion du sexe mais aus­si défi­ni­tion de la fémi­ni­té dans dif­fé­rentes cultures sont les sujets d’un tra­vail qui oscille entre méde­cine, science et de nom­breux champs artis­tiques. C’est à l’âge de 31 ans, comme si ses recherches la rat­tra­paient, que la jeune femme apprend qu’elle est atteinte d’un can­cer du sein. La camé­ra va alors deve­nir sa com­pagne, sa thé­ra­pie. Son can­cer, lui, sera un sujet explo­ra­toire qui va lui ser­vir à se repo­si­tion­ner. Créer par­tout, créer tout le temps, fil­mer la bataille même lorsque son corps est un faible sol­dat, Serendipity est un shoot d’énergie, de cou­rage et de force, une réap­pro­pria­tion de son corps et de soi et montre que créer, c’est gué­rir un peu.

Sophie Calle. Sans titre

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Un film de Victoria Clay Mendoza (2012, 52′)

Doit-on encore pré­sen­ter l’artiste fran­çaise Sophie Calle qui, depuis plus de trente ans, a fait de sa vie per­son­nelle le thème essen­tiel de son œuvre. De telle sorte qu’il nous semble la connaître réel­le­ment. Et si Sophie Calle était autre que celle que nous avions ima­gi­née ? Victoria Clay Mendoza, réa­li­sa­trice et amie, pénètre seule dans l’atelier de la plas­ti­cienne. Elle est gui­dée par une lettre lue à voix haute par Sophie Calle elle-même (qui d’autre ?) et qui l’autorise à se ser­vir de tout ce maté­riel accu­mu­lé depuis des années : films, pho­tos, lettres, docu­ments, objets… autant de traces de son exis­tence et de son œuvre. Sur cette idée de film en forme de jeu de piste carac­té­ris­tique du tra­vail de l’artiste, nous sommes pris dans ses fila­tures d’inconnus, l’accompagnons pour une nuit blanche au som­met de la Tour Eiffel et à Las Vegas pour un mariage pour le moins hasar­deux. Au centre de ce por­trait en creux qui semble léger et ludique, une ombre pèse pour­tant, celle de la mort, la mort des autres, la mort aux autres avec laquelle on vou­drait jouer aus­si pour qu’elle ne fasse plus aus­si peur.

Broken Art

Un film de Nicolas Dedecker et Benoît Baudson (2019 – 52’)

L’artiste urbain Denis Meyers a trou­vé un ter­rain de jeu à la taille de son ambi­tion : l’ancien siège de la firme Solvay, à Bruxelles, soit une sur­face de près de 50 000 m² sur huit niveaux. Avant sa des­truc­tion pro­gram­mée, l’artiste a obte­nu l’autorisation d’investir le bâti­ment dans l’idée d’en faire une œuvre totale et impo­sante en noir et blanc : une occa­sion pour lui de se rendre visible et de digé­rer une dou­lou­reuse sépa­ra­tion. Les cinéastes Nicolas Dedecker et Benoît Baudson suivent au plus près toutes les étapes de ce pro­jet fou. Sur place, jours et par­fois nuits, Denis Meyer rem­plit les murs, à la bombe noire. Un entre­la­ce­ment poé­tique de des­sins et de textes issus de ses car­nets intimes qui viennent en épou­ser les moindres recoins. Du sol au pla­fond en pas­sant par les fenêtres, les esca­liers et les portes, l’artiste déverse les sen­ti­ments qui le tra­versent. Parallèlement, il s’a­gi­ra aus­si de faire venir du monde, d’in­vi­ter des célé­bri­tés, de faire du bruit afin que tout cela puisse ser­vir non seule­ment à se “gué­rir” mais éga­le­ment à pous­ser sa car­rière. Entre œuvre intime et opé­ra­tion mar­ke­ting réus­sie, le film se fraye un che­min dans un dédale laby­rin­thique aus­si bien phy­sique que psychique.